Juez Redd
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Recordando SPAWN: la joya oculta que vive en HBO
Buenas noches a todas y todos, queridas/os lectoras/es.
Hoy vengo a deciros que si tenéis una suscripción a HBO (próximamente MAX) tenéis a vuestra disposición una de las mejores series de animación occidental hasta la fecha. Y no es otra que la adaptación de un cómic espectacular, salvaje y oscuro, llamado SPAWN. Acompañadme en esta lectura y os pondré en completa situación de sus orígenes y de cómo se creó uno de los iconos de la cultura pop.
Hubo una época donde los titanes de la industria de la grapa creían haberlo visto todo. Sin embargo, uno de esos jóvenes aprendices (por entonces promesas) del mundo del cómic, empezaba a gstar una idea que entendía que no tendría cabida en el mundo de héroes y colorines de las grandes casas de las historietas.
En la década de 1980, Todd McFarlane se convirtió en un talentoso artista de cómics, especialmente conocido por su trabajo en la serie "The Amazing Spider-Man" de Marvel Comics. Su estilo único de dibujo y narración visual lo hizo muy popular entre los lectores.
Sin embargo, McFarlane comenzó a sentirse frustrado por las limitaciones creativas y económicas que experimentaba al trabajar para una editorial establecida. Quería tener más control sobre su trabajo y explorar ideas y conceptos más oscuros y maduros.
En 1992, McFarlane dejó Marvel Comics y, junto con otros destacados artistas de cómics que compartían su visión, como Jim Lee, Rob Liefeld, Whilce Portacio y Marc Silvestri, fundó la editorial Image Comics. La misión de Image era brindar a los artistas un control total sobre sus creaciones y la oportunidad de poseer los derechos de sus personajes. Fue en Image Comics donde Todd McFarlane creó Spawn. El personaje hizo su primera aparición en "Spawn" #1, publicado en mayo de 1992. McFarlane fue responsable tanto del arte como de la escritura de la serie.
Spawn cuenta la historia de Al Simmons, un soldado de élite del gobierno que, después de ser asesinado en una misión y condenado al infierno, hace un trato desesperado para volver a ver a su esposa. Sin embargo, en lugar de ser resucitado como un ser humano, Simmons se convierte en un Hellspawn (O Hell's Pawn, peín, un guerrero infernal con poderes sobrenaturales. A medida que desciende a la Tierra en su nueva forma, descubre que ha pasado un tiempo considerable y que todo ha cambiado a su alrededor. Ahora, atrapado en un mundo plagado de corrupción, crimen y conspiraciones, Simmons se convierte en el justiciero conocido como Spawn, en busca de redención y venganza.
Una de las características más destacadas de Spawn es el increíble arte de Todd McFarlane. Con su estilo distintivo, McFarlane creó una estética única y visualmente impactante que se alejaba de las convenciones tradicionales de los cómics de superhéroes. Sus dibujos detallados y expresivos, junto con un uso audaz del sombreado y la perspectiva, contribuyeron a establecer el tono oscuro y atmosférico del mundo de Spawn. Además, McFarlane también es conocido por su habilidad para crear diseños llamativos de personajes y monstruos, lo que añade un nivel adicional de intriga visual a la serie.
El éxito de Spawn se tradujo rápidamente en una serie animada de televisión en la década de 1990 y una adaptación cinematográfica en 1997. A pesar de que la película no alcanzó el éxito esperado, Spawn dejó una marca indeleble en la cultura popular y se convirtió en uno de los personajes más icónicos de la industria del cómic.
Desde su debut en 1992, Spawn se ha convertido en uno de los personajes más icónicos y queridos del cómic de superhéroes. Creado por Todd McFarlane, el antihéroe infernal ha cautivado a los fanáticos con su historia oscura y su estética única. En 1997, HBO lanzó una serie animada basada en el cómic de McFarlane, que rápidamente se ganó un lugar especial en el corazón de los seguidores del personaje. En este artículo, analizaremos la serie "Spawn" de HBO y exploraremos cómo capturó la esencia del cómic original.
Una de las principales razones por las que la serie "Spawn" de HBO fue aclamada por los fanáticos fue su fidelidad al cómic de Todd McFarlane. La serie capturó la atmósfera oscura y sombría del cómic, así como los temas profundos que aborda. Desde los dilemas morales hasta la lucha interna de su protagonista, Al Simmons, la serie se mantuvo fiel a los elementos clave que hicieron que el cómic fuera tan impactante. Esto permitió a los fanáticos disfrutar de una adaptación auténtica que respetaba la visión original de McFarlane.
La animación en la serie "Spawn" fue impresionante para su época. La oscuridad y la violencia fueron representadas de manera efectiva, creando una atmósfera única y perturbadora. El estilo visual, influenciado por el arte de McFarlane, fue sombrío y lleno de detalles góticos. Los diseños de los personajes, en particular el propio Spawn, eran visualmente impactantes y transmitían su naturaleza demoníaca y a la vez heroica. La serie hizo un excelente trabajo al llevar a la pantalla los diseños distintivos de McFarlane y dar vida a su mundo macabro.
La serie "Spawn" también se destacó por su narrativa intrigante y el desarrollo de personajes. A lo largo de los episodios, se exploraron las motivaciones y los conflictos internos de los personajes de manera satisfactoria. Al Simmons/Spawn fue presentado como un antihéroe complejo, atrapado entre su deseo de venganza y su lucha por su humanidad perdida. Otros personajes importantes, como el Violador y Cogliostro, también recibieron una atención cuidadosa en términos de desarrollo y profundidad. La serie logró equilibrar la acción sobrenatural con una exploración temática más profunda.
La serie "Spawn" de HBO dejó un impacto duradero en la cultura pop. Su tono oscuro y adulto fue innovador en su momento, allanando el camino para futuras adaptaciones de cómics más maduras. Además, el éxito de la serie ayudó a solidificar a Spawn como uno de los personajes más reconocibles del cómic y abrió la puerta a una mayor exploración de su historia en otros medios. La serie también generó una base de fans que continúan apreciando y moviendo la serie por las redes (como yo y tú en este momento) hasta el día de hoy.
En este punto debo añadir que la serie está completamente doblada al castellano PEEEEEERO el doblaje que hay ahora en HBO en este momento NO ES el original, que contaba con unas voces espectaculares y una "arenosidad" que trasladaba a la perfección la oscuridad de la atmósfera al espectador. El propio (y me pongo de pie) Alfonso Vallés era la voz inicial de Spawn en España, a quien recordaremos siempre por ser la voz de Solid Snake (Metal Gear Solid, PSX).
La serie fue redoblada en Galicia. ¿El motivo? Probablemente algún tema de derechos, como pasa con el doblaje en castellano de Rurouni Kenshin. En este caso porque el primer doblaje casi seguro es propiedad del canal "CALLE 13", que fueron los que emitieron la serie antes de que llegase HBO a España.
La serie "Spawn" de HBO se destacó como una adaptación sobresaliente del cómic de Todd McFarlane. A través de su fidelidad al material fuente, su impresionante animación y estilo visual, su narrativa cautivadora y el desarrollo de personajes, logró capturar la esencia del cómic original y deleitar a los fanáticos. Además, su impacto cultural y su legado han demostrado su importancia en el mundo de las adaptaciones de cómics (que no es poca cosa). La serie "Spawn" sigue siendo una joya animada que merece ser apreciada tanto por los fanáticos de McFarlane como por los amantes de los antihéroes oscuros. Ahora está en ti darte la oportunidad de disfrutar viéndola.
GODLESS: el western que quizás hayas pasado por alto y NO deberías.
Durante mis vacaciones de verano de 2022 intenté ponerme con parte de ese contenido pendiente que tenía atrasado desde hacía bastante tiempo. Una de esas tareas (como buen gourmet del género "western") era GODLESS y hoy voy a intentar contaros un poco sin destriparos, no sea que (como yo) aún la tengáis pendiente.
GODLESS tiene una premisa aparentemente sencilla: la venganza. Pero lo que nos ofrece es una de esas historias western cualquiera (producida por Steven Soderbergh y creada por Scott Frank) que va creciendo y ramificándose a medida que avanza para rematar con un final de leyenda
Visitaremos varias localizaciones pese a que el grueso de la historia se centra en el pequeño poblado de La Belle, ahora regentado en su mayoría por mujeres debido a un accidente minero que se cobraría la vida de casi la totalidad de los varones del lugar.
La desgracia se cierne del todo sobre este destartalado pueblo cuando llega a oídos del temible Frank Griffin (interpretado por un magnífico Jeff Daniels) que Ray Goode (Jack O'Connell), un antiguo miembro de su banda que le robó y le traicionó, se oculta en La Belle.
Al resto de la trama se van sumando personajes que van haciéndose más y más grandes, como el sheriff Bill McNue (Scoot McNairy), Alice Fletcher (Michelle Dockery), Mary Agnes (Merritt Wever) y muchos más roles que enriquecerán situaciones y subtramas.
En GODLESS habrá lugar para el amor, la ternura, la inocencia, la pérdida de la misma...todo sucederá en proporciones muy pequeñas y sutiles (casi ceremoniales, en ocasiones) pero tremendamente significativas: un gesto, una línea, una mirada...
GODLESS fue concebida inicialmente como una película de 2h. El show entero fue rodado en el norte de Nuevo México y La Belle fue construida en San Cristóbal Ranch, al sur de Santa Fe. La historia fue creciendo tanto que tuvieron que dividirla en 7 episodios de 70minutos (de media) de duración.
Resumiendo: es una carta de amor (adoro esta expresión) al género del oeste que cuenta con un reparto brillante, una dirección que homenajea los montajes clásicos pero que busca su propio estilo con diferentes tipos de cámaras, planos, secuencias, aperturas y cierres. Y eso lo valoro mucho.
Y lo valoro porque podrían haber hecho un copia y pega (como hace Tarantino en su mayoría de proyectos, por ejemplo, y que no me parece mal, ojo. Solo lo comento) pero lo que vemos es una intención de búsqueda del tributo mediante la propia esencia. Algo nada sencillo tendiendo tanto legado cinematográfico a espadas de este género que tan en falta sigo echando a día de hoy.
Las leyes de la imaginación: soñar con neones. El género "Cyberpunk".
Nunca se deja nada al azar pues detrás de cada elección existe un motivo, aunque no lo queramos reconocer. Dentro de esas elecciones nos centraremos en las que tomamos a la hora de escoger mundos que visitar en nuestro tiempo libre. Hoy comparto con vosotros el nacimiento de una nueva sección llamada "Leyes de la imaginación", donde hago reflexiones sobre nuestras elecciones a la hora de evadirnos.
Tras poner PLAY en la música para ambientar la lectura vamos a conectarnos a la matriz futurista para intentar comprender qué es eso que tanto nos atrae de las utopías y distopías furistas, dos conceptos que en teoría son opuestos pero que pueden ir de la mano, pues podría radicar su definición en la subjetividad de quien opine.
Me explico: mientras que la utopía representa una sociedad ideal y perfecta, la distopía describe una sociedad indeseable y problemática. La utopía se presenta como una aspiración o ideal a alcanzar y la distopía se utiliza como una advertencia o crítica a la sociedad actual. No obstante, lo segundo puede venir a consecuencia de lo primero. De ahí que me cueste separarlos en términos prácticos.
Para que nos entendamos: una utopía futurista sería el concepto inicial de Night City, el escenario donde se desarrolla el juego de rol Cyberpunk de Mike Pondsmith (y que todos conocemos gracias al videojuego Cyberpunk 2077) y donde teóricamente íbamos a encontrar una metrópolis multicultural en la que hacer realidad nuestros sueños (estilo Las Vegas). Sin embargo, a medida que el capitalismo avanza, avanza la avaricia y los líderes suelen tender a querer más y cerrar tratos más jugosos con quienes no deben.
Esto hizo que las mafias y los cárteles entrasen en esta utopía repleta de luces y neones para convertirla en la antítesis de lo que iba a ser. Y es aquí, a base de desigualdad, pobreza y violencia (capitalismo exponencial) donde terminaríamos en una distopía futurista: un vertedero urbano donde el progreso contrasta con la precariedad estructural que dio origen al género "Cyberpunk".
De hecho, si fuéramos prácticos y realmente pudiéramos aplicar las leyes de una realidad "cyberpunk" a nuestra vida, nuestros problemas no solo no se esfumarían sino que, además, tendríamos situaciones que se agravarían considerablemente. Y entonces ¿por qué nos atrae tanto este género? Vamos a conocer un poco su concepción y quizás podamos entendernos.
El género cyberpunk es un subgénero de la ciencia ficción que se caracteriza por explorar una distopía futurista en la que la tecnología avanzada coexiste con una sociedad decadente y opresiva. El término "cyberpunk" se originó en la década de 1980 y fue popularizado por la literatura, aunque también se ha extendido a otros medios como el cine, los videojuegos y la música.
El precursor ideológico del género cyberpunk fue sin duda el escritor estadounidense Philip K. Dick, a quien podríamos reponsabilizar casi seguro de ser el padre de gran parte de la Ciencia Ficción. Aunque no se le atribuye la creación del género en sí, su obra sentó las bases y estableció temas y elementos que se convertirían en pilares del cyberpunk. Dick exploró la relación entre la tecnología, la sociedad y la identidad en muchas de sus novelas, como "Ubik", "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?" (que inspiró la película "Blade Runner") y "El hombre en el castillo", entre otras. Su enfoque distópico, la fusión de la tecnología y la humanidad, así como la crítica social, influyeron en los escritores posteriores que desarrollaron el género cyberpunk.
A quien sí podríamos atribuir el haberlo acuñado sería al estadounidense Bruce Bethke; escritor de ciencia ficción y fantasía a quien se le conoce principalmente por haber acuñado el término "cyberpunk" en su relato corto titulado "Cyberpunk", publicado por primera vez en 1983 en la revista Amazing Science Fiction Stories.
El relato de Bethke ayudó a popularizar el término "cyberpunk" y estableció las bases para el desarrollo del género literario. Aunque no se le considera el creador del género, su acuñación del término tuvo un impacto significativo en la comunidad literaria y en la forma en que se conceptualizó el cyberpunk.
Aparte de su contribución al género cyberpunk, Bethke ha escrito numerosos relatos cortos y novelas en el ámbito de la ciencia ficción y la fantasía. Algunas de sus obras notables incluyen "Headcrash" (1995), una novela satírica de cyberpunk, y "Tales of the Wei" (2003), una serie de fantasía basada en la mitología china. Bruce Bethke continúa escribiendo y participando en la comunidad literaria. Si bien podemos decir que Bethke acuñó el término, la obra (bajo mi punto de vista) que lo termina de asentar es "NEUROMANCER", de William Gibson.
"Neuromancer" es una novela de ciencia ficción escrita por William Gibson y publicada en 1984. Es considerada una de las obras más influyentes en el género cyberpunk y ganó los premios Hugo, Nébula y Philip K. Dick. La historia se desarrolla en un futuro cercano y sigue las aventuras del protagonista Henry Case, un ex hacker conocido como "cowboy de la información".
Aborda temas como la fusión de la tecnología y el ser humano, la influencia de las corporaciones en la sociedad, la desigualdad económica y la búsqueda de la identidad en un mundo dominado por la información y la virtualidad. "Neuromancer" se caracteriza por su estilo ciberpunk oscuro, lleno de atmósfera distópica muy, muy marcada, descripciones detalladas de tecnología y una narrativa compleja y no lineal. Aquí sí podríamos decir que es donde realmente nace el género ya asentado y diferenciado.
No os extrañe que de aquí a unos años (gracias a la popularidad que está ganando este género) veamos alguna adaptación de la novela de Gibson.
Las historias de cyberpunk suelen estar ambientadas en un futuro cercano, en el que las megacorporaciones controlan gran parte del poder y la tecnología ha permeado todos los aspectos de la vida cotidiana. A menudo, se exploran temas como la fusión del ser humano con la tecnología, la vigilancia masiva, la desigualdad social, la corrupción, la alienación y la lucha contra el sistema establecido.
Los personajes del cyberpunk suelen ser antihéroes o marginales que se mueven en las sombras de la sociedad. Hackers, ciberpunkies, mercenarios y otros individuos rebeldes se enfrentan al poder establecido, ya sea luchando contra las corporaciones o simplemente tratando de sobrevivir en un entorno hostil.
La estética del cyberpunk es distintiva y se caracteriza por la combinación de elementos futuristas y decadentes. Se destacan los entornos urbanos oscuros y caóticos, con luces de neón, hologramas, alta tecnología y una atmósfera de suciedad y deterioro. La moda cyberpunk también es reconocible, con prendas futuristas, implantes cibernéticos, gafas de realidad aumentada y otros elementos visuales llamativos.
El género cyberpunk trata de explorar los impactos sociales y humanos de la tecnología en un futuro distópico, cuestionando los límites éticos y morales de la ciencia y el poder corporativo, al tiempo que reflexiona sobre la naturaleza de la identidad y la resistencia frente a un sistema opresivo.
Las utopías futuristas representan un futuro idealizado en el que los problemas y desafíos actuales de la sociedad se han superado. Esto brinda un sentido de esperanza y optimismo, especialmente en tiempos de incertidumbre o dificultades. La idea de un mundo mejor y más justo puede ser inspiradora y motivadora para las personas.
Ofrecen una escapatoria de los problemas y limitaciones del presente. Permiten a las personas imaginar un mundo en el que no existen las injusticias, la pobreza, el hambre o los conflictos. Esta capacidad de evadirse de las preocupaciones cotidianas puede ser atractiva y reconfortante.
Son espacios donde se pueden explorar ideas y conceptos innovadores. Pueden presentar nuevas tecnologías, formas de gobierno, estructuras sociales y modos de vida alternativos. Esta exploración de posibilidades ofrece a las personas la oportunidad de imaginar y debatir cómo podrían ser las sociedades ideales y cómo podrían mejorarse los aspectos problemáticos del presente.
Pueden ser una fuente de inspiración para el cambio social y personal. Al visualizar un futuro mejor, las personas pueden sentirse motivadas para tomar acciones en el presente que contribuyan a hacer realidad esa visión. Las utopías pueden servir como un faro que guía los esfuerzos individuales y colectivos hacia la construcción de un mundo más justo y equitativo.
Es importante tener en cuenta que las utopías son representaciones idealizadas y simplificadas de la realidad, y que su realización plena puede ser difícil o incluso imposible. Sin embargo, el deseo de imaginar y aspirar a un futuro mejor sigue siendo una parte fundamental de la condición humana y mucho más de la imaginativa, que es parte esencial de lo que nos hace soñar: soñar con postales, soñar con universos, soñar con futuros...
Soñar con todo lo que nos gustaría ver desde la seguridad de nuestro presente distante. Y es que, los que tenemos una imaginación terriblemente exagerada, solemos agradecer que existan lugares que visitar para satisfacer nuestra curiosidad. Lugares que siempre nos sanarán creativamente como bálsamos para ese "algo" que llevabas tiempo buscando y no lo sabías.
Recordando Super Crooks: desafiando a los superhéroes.
¿Alguna vez os habéis preguntado qué pasaría si el grupo de ladrones de Danny Ocean (Ocean's Eleven) tuviera acceso a un vasto abanico de super poderes?
Mark Millar tenía la respuesta en un cómic (doce, realmente) que realizó junto a Leinil Francis Yu llamado "Super Crooks". La serie de cómics fue publicada por Icon Comics, una división de Marvel Comics, en octubre de 2012. Desde entonces, ha ganado popularidad y ha sido aclamada por los fans y la crítica por su enfoque fresco y subversivo de los superhéroes y supervillanos. El estudio a cargo de la serie animada de "Super Crooks" es Bones Inc., un reconocido estudio de animación japonés conocido por su trabajo en diversas producciones de anime, responsable de éxitos como "Fullmetal Alchemist", "My Hero Academia" y "Mob Psycho 100" y se estrenó en Netflix en noviembre de 2021. Y de eso es de lo que vamos a hablar hoy (Porque ni tú ni yo nos hemos leído los cómics pero para Nesflish siempre tenemos un ratito).
¡Dentro montaje épico de la apertura de la serie!
"Super Crooks" nos sumerge en un universo en el que los supervillanos son los protagonistas. La trama gira en torno a un grupo de delincuentes con habilidades sobrehumanas que planean un último gran robo antes de retirarse. A medida que se desarrolla la historia, nos adentramos en las motivaciones de estos personajes y descubrimos sus conflictos internos. La serie logra mantener un equilibrio cautivador entre el suspense, la acción y las sorpresas, manteniendo al espectador enganchado en todo momento.
A diferencia de muchas historias de superhéroes convencionales, "Super Crooks" presenta personajes complejos y moralmente ambiguos. Los protagonistas son criminales con habilidades extraordinarias, pero a medida que se desarrolla la trama, se nos muestra su humanidad y sus motivaciones más allá de la maldad estereotipada. La serie desafía la noción de que los villanos siempre son malvados y los héroes siempre son buenos, brindando una visión más matizada y realista de los personajes.
La serie rompe con las convenciones del género de superhéroes al centrarse en los antihéroes y darles protagonismo. Nos muestra un mundo en el que los supervillanos son la norma y los superhéroes son los forasteros. Esta inversión de roles resulta muy interesante y, para el entonces, relativamente fresca, ya que no todos los acercamientos a los antihéroes estaban tan de moda (tal y como sucede hoy con The Boys o INVENCIBLE, por ejemplo), permitiendo explorar nuevas dinámicas y generar sorpresas constantes. "Super Crooks" desafía las expectativas del público y crea una experiencia narrativa única y emocionante.
"Super Crooks" presenta una nada despreciable variedad de personajes principales, cada uno con su propia personalidad y habilidades sobrehumanas. Podríamos contar con el trío casi principal, donde se les añadirían más secundarios posteriormente:
1. Johnny Bolt: Es el protagonista principal de la serie y el líder carismático de los supercriminales. Es un ladrón astuto y audaz con la capacidad de volar y generar explosiones eléctricas. Aunque puede parecer un delincuente sin escrúpulos al principio, a medida que avanza la trama, se revela su humanidad y su deseo de dejar atrás su vida criminal y su traumática infancia. Representa la complejidad moral y nos desafía a cuestionar nuestros conceptos preconcebidos sobre los villanos. Huelga decir que Johnny siempre quiso ser un superhéroe.
2. Kasey: una ladrona habilidosa que se une a Johnny y su equipo en su último gran robo. Kasey tiene la capacidad de convertirse en una sombra intangible, lo que le permite atravesar objetos y moverse sigilosamente. Es un personaje enigmático con un pasado misterioso y se convierte en una figura clave en la trama. Su lealtad y determinación la convierten en una protagonista fuerte y memorable.
3. The Heat / Carmine: Que no os engañe su aspecto de abuelete. Carmine es un ladrón de la vieja escuela y se las sabe todas. Es uno de los supercriminales reclutados por Johnny, adicto al juego y posee la habilidad de generar fuego. The Heat es un personaje temperamental y algo impredecible, pero también demuestra ser leal y protector hacia sus compañeros.
Estos personajes principales, junto con otros secundarios, como El Inmortal y The Bastard, contribuyen a la riqueza y la complejidad de la serie "Super Crooks". Cada uno tiene sus propias motivaciones y arcos de desarrollo, lo que les brinda profundidad y los hace más que simples estereotipos de supervillanos. La serie explora los matices de la moralidad y desafía las expectativas tradicionales de los roles de los superhéroes y supervillanos, permitiendo que los personajes evolucionen y sorprendan al espectador a lo largo de la historia.
Super Crooks cuenta con otra particularidad. Sirve un poco de contexto precuela para expandir el universo de Jupiters Legacy, otra producción de Netflix en la que quisieron adaptar otro de los trabajos de Millar pero que no llegó a buen puerto. De hecho, en Super Crooks veremos a algunos de los personajes de dicha adaptación.
Pero esto es algo de lo que hablaré en otro momento.
La animación de "Super Crooks" es un aspecto destacado de la serie y contribuye en gran medida a su atractivo visual.
Podemos dividir este apartado en varias categorías:
Estética vibrante y estilizada: "Super Crooks" adopta una estética vibrante y estilizada que combina elementos de la animación tradicional con un toque moderno. Los colores son intensos y contrastantes, lo que crea una paleta visualmente llamativa y atractiva. Los escenarios y fondos están detallados y presentan un alto nivel de texturas y acabados, lo que aporta profundidad y realismo al mundo de la serie.
Movimientos fluidos y dinámicos: La animación en "Super Crooks" se destaca por sus movimientos fluidos y dinámicos. Las secuencias de acción están coreografiadas con precisión y se representan con una fluidez impresionante, lo que brinda un sentido de energía y emoción a las escenas de combate. Los personajes se mueven con agilidad y sus movimientos se sienten naturales y realistas, lo que añade credibilidad a las habilidades sobrehumanas que poseen.
Detalles expresivos y faciales: La animación en "Super Crooks" presta atención a los detalles expresivos, especialmente en los rostros de los personajes. Los cambios sutiles en las expresiones faciales ayudan a transmitir las emociones y los estados de ánimo de los personajes, lo que aporta una capa adicional de profundidad a la narrativa. Estos detalles expresivos también contribuyen a establecer conexiones emocionales entre los espectadores y los personajes.
Efectos visuales impactantes: Los efectos visuales utilizados en "Super Crooks" son impresionantes y agregan un factor de impacto visual a la serie. Desde los poderes sobrehumanos hasta las explosiones y las escenas de destrucción, los efectos visuales se utilizan de manera efectiva para resaltar momentos clave y enfatizar la acción. Estos efectos están bien integrados en la animación y brindan momentos visuales emocionantes y espectaculares.
A grandes rasgos podemos resumir la animación de "Super Crooks" como estilizada, fluida y llena de detalles expresivos. El estilo visual vibrante y dinámico, combinado con los movimientos realistas de los personajes, crea una experiencia visual cautivadora. Los efectos visuales impactantes añaden un toque adicional de emoción y espectacularidad. En conjunto, la animación de "Super Crooks" contribuye en gran medida al atractivo estético y la narrativa dinámica de la serie.
"Super Crooks" es una serie que se atreve a romper con los estereotipos del género de superhéroes, ofreciendo una narrativa intrigante, personajes complejos y un enfoque fresco y subversivo. A través de su historia cautivadora, nos sumerge en un mundo donde los villanos son los protagonistas y nos invita a cuestionar las definiciones tradicionales de bien y mal. Esta serie es un testimonio del poder de la narrativa para desafiar nuestras expectativas y brindarnos una experiencia única. "Super Crooks" es un recordatorio de que las mejores historias son aquellas que nos sorprenden y nos hacen reflexionar sobre nuestra propia percepción del bien y el mal en un mundo lleno de superpoderes.
Recordando "Samurai Gourmet": ¿Se puede hacer una serie que trate sobre nada?
Algunos no os acordaréis, pero hacia el año 2017, la época en la que las plataformas de contenido bajo demanda estaban empezando a asentarse, ya estaban sucediendo cositas muy, muy interesantes. Por aquella época no había aún tantísimo contenido procedural como hay a día de hoy y era mucho más sencillo encontrar contenido interesante y, diría, casi alternativo al mainstrem. Lo cuál resulta casi paradójico ya que la plataforma de la gran N es en sí un mainstream constante.
Dentro de las opciones de la plataforma me encontré con un título muy llamativo, que contrastaba bastante con la imagen que lo promocionaba. Se trataba de Samurai Gourmet.
La sinopsis de la mini serie decía textualmente:
"Takeshi, recién jubilado, recupera su pasión por la comida y la vida al volver a conectar con el guerrero que lleva dentro y ¡A comer lo que más le gusta!"
No podría deciros exactamente qué fue lo que me impulsó a verla pero la descripción y el título tenían algo que me hizo hacer "clic" y antes de que me diese cuenta ya estaba viéndola.
Basada en el manga del mismo nombre creado por Masayuki Kusumi y Shigeru Tsuchiyama, la serie nos pone en la piel de Takeshi Kasumi (interpretado por Naoto Takenata), un currante que ha dedicado su vida entera a trabajar y nada más que a trabajar. Ahora, recién jubilado y con 60, se encuentra más perdido que realizado, sin rumbo, como un rōnin sin un amo a quien servir, y con mucho, demasiado tiempo libre.
Por si esto fuera poco, Takeshi es un hombre de la vieja escuela y cultura nipona: tremendamente respetuoso, correcto e introvertido. Cuando Takeshi se enfrenta a la idea de tener todo el tiempo del mundo sin responsabilidades laborales, su pasión por la comida y su imaginación se desatan.
Lo que hace que Samurai Gourmet sea especial es la forma en que combina la experiencia culinaria con el mundo samurái. Takeshi se imagina a sí mismo como un samurái valiente y audaz que se deleita con la comida, superando cualquier obstáculo y rompiendo las normas sociales impuestas. A través de estas fantasías, la serie nos muestra que la comida no solo es una fuente de placer, sino que también puede ser un medio para recuperar la libertad y la pasión en la vida cotidiana. Esta tónica la veremos chocar constantemente en las encrucijadas de Takeshi, señal del conflicto entre su fervor adolescente y su madurez correcta y sumisa.
Cada episodio de la serie se centra en un plato en particular y la forma en que Takeshi lo disfruta. Desde ramen hasta sushi, el espectador es invitado a un viaje sensorial mientras Takeshi explora los diversos sabores de la cocina japonesa. A medida que Takeshi saborea cada bocado, la serie nos muestra los matices de las comidas y las emociones que despiertan en él, lo que permite al espectador sumergirse aún más en su mundo y apreciar la conexión entre la comida y el disfrute de la vida.
Además de su enfoque en la comida, la serie también aborda temas más profundos. A medida que Takeshi se enfrenta a diversas situaciones en los restaurantes y en la sociedad en general, la serie nos muestra cómo las expectativas y las normas pueden restringir nuestra verdadera libertad. Takeshi se rebela contra estas restricciones y nos anima a ser fieles a nosotros mismos y a disfrutar de la vida de la manera que más nos gusta, incluso si eso significa ir en contra de lo establecido.
Algo que nos caracteriza a modo de componente común, como sociedad, es la comida, que servirá de nexo para destacar la importancia de la amistad y las conexiones humanas mediante esta misma, descubriendo que la comida puede ser un catalizador para entablar conversaciones significativas y forjar lazos emocionales. Estos encuentros demuestran que la comida no solo es una experiencia individual, sino que también puede unir a las personas y crear momentos compartidos de alegría y camaradería, así como evocar y despertar recuerdos que creíamos haber olvidado.
En términos de producción, "Samurai Gourmet" cuenta con una fotografía muy cuidada, delicada, nostálgica incluso, y una dirección artística que resalta la belleza de la comida y los paisajes urbanos de Japón. La banda sonora siempre acompaña de manera cálida y encantadora y complementa perfectamente las escenas, sumergiendo al espectador en la atmósfera de cada momento.
En resumen, "Samurai Gourmet" es una serie que combina de manera brillante la pasión por la comida con la esencia samurái. A través de las aventuras gastronómicas de Takeshi, nos invita a disfrutar de la vida sin restricciones y a apreciar las pequeñas alegrías que nos brinda la comida. Si eres amante de la cocina japonesa, la cultura samurái o simplemente disfrutas de una buena historia, esta serie te deleitará con su encanto y te dejará con un hambre de descubrir más sobre el mundo culinario y las posibilidades que ofrece.
Entonces, ¿esta serie trata sobre "nada"? No, amigas y amigos. Samurai Gourmet empieza desde la nada y va deconstruyendo a Takeshi en todos y cada uno de los tristes muros que durante toda su vida le obligaron a levantar, convirtiéndolo en alguien gris, con una vida insípida, para dar paso al samurai que todos llevamos dentro. Es el samurai el que nos invita a vivir cada día y a disfrutar de la magia de los pequeños placeres que, cuando sabes cómo apreciarlos, se convierten en un tesoro. Y no hay mejor momento para valorar lo precioso de los placeres más mundanos y fugaces que cuando uno ha recorrido toda una vida y ahora puede pararse a paladear.
"Samurai Gourmet" es la serie que necesitabas sin saberlo y que te hará cambiar. Te lo garantizo.